Pistes de recherche pour la conservation de l'art contemporain
15 jeunes scientifiques aux qualifications professionnelles diverses ont mené des recherches sur la conservation de l’art contemporain depuis début 2016. Ils ont présenté leurs résultats lors du symposium.
La conservation de l’art contemporain soulève des questions de plus en plus complexes. Il n’est donc pas étonnant que le symposium “From different perspectives to common grounds in contemporary art conservation”, organisé par le Cologne Institute of Conservation Sciences (CICS), comme lieu de réponses possibles, ait affiché complet peu après l’ouverture des inscriptions. Comme l’événement s’est déroulé les 25 et 26 juillet 2018 dans l’Audimax de la TH Cologne, environ 200 invités de dix pays ont finalement pu y participer.
Dans le cadre du symposium, les 15 Early Stage Researchers du réseau de formation innovant Marie Sklodowska-Curie “New Approaches in the Conservation of Contemporary Art” (nacca.eu), financé par l’Union européenne, ont présenté leurs travaux de recherche sur la conservation de l’art contemporain. Ces jeunes scientifiques aux qualifications professionnelles diverses (restaurateurs, conservateurs, deux artistes, une muséologue, une anthropologue, une journaliste et une juriste) se sont consacrés depuis début 2016 à divers thèmes clés : L’intention, l’auteur et l’authentification dans l’art contemporain, l’œuvre d’art contemporaine et les conventions institutionnelles, la reproduction des œuvres d’art contemporaines et la pertinence des réseaux pluridisciplinaires dans la conservation de l’art contemporain.
Une mise à jour de la théorie de la restauration est-elle nécessaire ?
Les exposés de Renate Buschmann, Hanna Hölling, Johannes Gefeller, Ulrich Lang, Salvador Muñoz Viñas, Renata Peters, Marina Pugliese, Antonio Rava et Ursula Schädler-Saub ont introduit le champ thématique. Une question récurrente était la suivante : une mise à jour de la théorie de la restauration, une adaptation aux exigences spécifiques de la conservation de l’art contemporain est-elle nécessaire ? Hanna Hölling, Ulrich Lang et Antonio Rava ont par exemple mis en lumière la notion de temps dans la restauration à travers des œuvres éphémères conçues pour se détériorer naturellement (comme dans le cas de “Strange Fruit” de Zoe Leonard, discuté par Nina Quabeck), ou encore à partir d’œuvres dont la survie est basée sur le “rajeunissement” par l’échange de matériaux (comme dans le cas des “Capri Batteri” de Joseph Beuys ou, de manière tout à fait controversée, dans la nouvelle production du “Portrait Pia Stadtbäumer” de Thomas Ruff, discutée par Marta Garcia Celma).
L’utilisation correcte de l’art basé sur les logiciels et la conservation des performances artistiques
Comment conservons-nous les performances, ont demandé Johannes Gefeller et Iona Goldie-Scott. Souvent, ce n’est pas tant la conservation de “reliques” que le fait de “donner vie” à une performance qui nous pose problème (par exemple dans le cas de Tino Seghal, dont le travail ne peut être abordé de manière conventionnelle, car il refuse toute forme de documentation). Comment les tâches et les connaissances sont-elles redistribuées lorsque nous assumons la responsabilité de la conservation de ce type d’œuvre d’art ?
Le processus de “muséification”, telle est la quintessence des contributions de Hanna Hölling, Renata Peters, Brian Castriota, Joanna Killiszek, Caitlin Spangler-Bickell et Aga Wielocha, devrait honorer le caractère dynamique et processuel des œuvres qui se répandent dans nos collections. En enfermant les œuvres dans des normes muséales étroites, on risque de négliger des facettes importantes – comme l’a concrètement illustré la contribution de Panda de Haan à la vie muséale de “Tropicalía” d’Helio Oticia.
Claudia Röck, qui s’occupe de stratégies de conservation pour l’art basé sur des logiciels, a fait prendre conscience aux personnes présentes que le “soin” de ces œuvres est un processus éternel, et Dušan Barok a montré de nouvelles voies pour la documentation collective à l’aide de media-wikis, dont le SFMoMA, par exemple, teste la pertinence depuis quelque temps.
Restaurateur = éditeur ?
Plusieurs contributions ont souligné les parallèles entre les activités du restaurateur et de l’éditeur. Nina Quabeck et Dušan Barok ont souligné que la restauration, tout comme la documentation, implique de faire des choix narratifs (en faveur d’un traitement ou d’un mode de présentation restaurateur et contre un autre) et qu’à long terme, il pourrait être plus utile d’intégrer ces choix “éditoriaux” dans notre documentation plutôt que de décrire uniquement le traitement/l’installation en soi. Zoe Miller, qui étudie les pièges liés à la compréhension de la notion d’auteur, a attiré l’attention des participants sur l’invisibilité supposée de l’éditeur et du restaurateur et s’est interrogée sur les conséquences sociales réelles de cette “invisibilité de praticien” de cette profession.
Au cours de ces deux journées, de nombreux grands thèmes ont été abordés avec la participation active de tous. Les restaurateurs sont aujourd’hui appelés à transmettre l’œuvre d’art aux générations futures non seulement en tant qu’objet et théorie, mais aussi en tant que processus et expérience – ce qui exige beaucoup, comme l’a résumé Salvador Muñoz Viña en conclusion.