"Elle parvient, par une sorte de neutralisation, à faire en sorte que l'œuvre et le corps soient universels".
En 1973, j’ai réalisé mon premier travail sur une tombe aztèque recouverte de mauvaises herbes et de graminées – cette végétation m’a rappelé l’époque. J’ai acheté des fleurs blanches au marché, je me suis allongé sur la tombe et je me suis laissé recouvrir par elles. C’était comme si le temps et l’histoire s’étendaient sur moi. – Ana Mendieta
Le Martin-Gropius-Bau de Berlin présente, en coopération avec la Katherine E. Nash Gallery de l’Université du Minnesota, l’exposition Covered in Time and History : Die Filme von Ana Mendieta du 20 avril au 22 juillet 2018. L’exposition comprend une sélection de 23 films issus de l’œuvre complexe de l’artiste, qui a récemment fait l’objet d’un travail de recherche de plusieurs années et a été numérisé. Nous nous sommes entretenus avec Stephanie Rosenthal, historienne de l’art et directrice du Martin-Gropius-Baus, sur le travail de l’artiste cubano-américaine.
Pourquoi le Gropius-Bau et vous-même avez décidé d’exposer l’art d’Ana Mendieta ?
Ana Mendieta est pour moi une artiste tout à fait déterminante – et l’a toujours été. En 2014, j’étais déjà responsable d’une exposition Mendieta à la Hayward Gallery de Londres et j’avais alors appris que le processus de numérisation de ses films avait commencé. J’avais alors déjà envisagé de faire venir son art en Allemagne.
Ana Mendieta travaille avec le corps, mais aussi avec la nature et la terre. Pour nous, au Gropius-Bau, ce sont des thèmes qui sont également pertinents pour les expositions à venir : Le pays dans le sens du paysage et de la nature, la frontière dans le sens de la séparation, de la division et du mur. C’est particulièrement passionnant par rapport à l’emplacement du Gropius-Bau. Pendant la division de la ville, le bâtiment se trouvait du côté de Berlin-Ouest, directement à côté du mur de Berlin. Dans un lieu aussi chargé d’histoire, les questions d’appartenance et de création d’identité ne cessent de se poser. C’est à ces questions que Mendieta se réfère dans son travail.
Quelles sont les principales caractéristiques de son art ?
Ses œuvres ont quelque chose de très contemporain et d’actuel. Elle a documenté ses performances – et considère la documentation comme le véritable art et l’œuvre centrale. C’est également très important pour les artistes d’aujourd’hui. De manière générale, Ana Mendieta possède une certaine intemporalité. Intemporelle en ce sens qu’elle ne représente pas elle-même, mais l’humanité. Elle parvient à faire en sorte que l’on regarde objectivement son corps de femme nue dans ses performances. Par une sorte de neutralisation, elle parvient à rendre l’œuvre et le corps universels. Ses œuvres des années 1970 et 80 sont donc toujours d’actualité, 40 ans plus tard. Elles offrent des messages poétiques et politiques très décisifs, très forts – surtout en ces temps de mouvements de fuite et de migration, où il est justement question de patrie et d’appartenance.
Quel est le contexte de Mendieta qui transparaît dans son travail ?
Ana Mendieta est originaire de Cuba et a émigré en Amérique à l’adolescence. Son père était politiquement actif et opposé à la politique de Fidel Castro. Lorsque Castro est arrivé au pouvoir, les États-Unis ont mené une action baptisée “Peter Pan” : Des enfants de Cuba ont été amenés en Amérique, car on estimait qu’ils passeraient un mauvais moment à La Havane pour des raisons politiques. C’est ainsi que la jeune Ana Mendieta est arrivée dans l’Iowa, a quitté sa famille cubaine et a grandi en tant que foster child, avec sa sœur, dans des foyers et des familles d’accueil.
“Où que tu sois, tu peux te connecter à la terre et au sol”.
Certainement une période difficile pour elle, qui l’a marquée durablement …
Oui, elle s’est soudain retrouvée étrangère avec une autre couleur de peau, parlant à peine l’anglais. C’est pourquoi ses travaux se lisent comme une sorte de reconnexion : elle se reconnecte à la nature en s’allongeant sur le sol et en travaillant avec des éléments tels que le feu, la fumée et les pigments. Il s’agit toujours d’une reconnexion avec la nature, pas nécessairement avec la nature cubaine, mais avec la nature dans laquelle elle se trouve. Elle offre ainsi un regard très positif : Où que tu sois, tu peux te connecter à la terre et au sol.
Elle réunit différentes disciplines comme le body art, l’art de la performance et le land art. L’élément fédérateur est le dialogue avec la nature. En quoi consiste ce dialogue ?
Dialoguer, c’est s’exposer soi-même à la nature. Dans l’un de ses travaux réalisés au Mexique, elle a recouvert son corps de pierres de taille moyenne. Le spectateur voit un mouvement de respiration visuellement fort sous ces pierres. Il a presque l’impression que la nature respire à travers l’artiste. On ne voit que la tête et les pierres qui se déplacent vers le haut et vers le bas. La nature semble prendre vie. Dans un autre travail, Mendieta se pare de plumes et se baigne dans la mer, ce qui fait que sa robe de plumes se dissout lentement. Dans l’œuvre “Greec”, elle se tient à nouveau dans une rivière, s’enduisant de peinture rouge et thématisant ainsi le cycle de la vie et la déesse de la fertilité. Elle fait tout cela dans et avec la nature. Ana Mendieta était une artiste qui jouait beaucoup avec les éléments spirituels et rituels.
Qu’est-ce que cela signifie ?
Elle s’est intéressée de près à la santería, une religion syncrétique afro-américaine majeure à Cuba. Elle y a certainement puisé quelques éléments. Il y a des œuvres dans lesquelles elle utilise du sang. Cela avait pour elle quelque chose de puissant et de magique. Dans “Chicken Piece”, elle montre un poulet décapité et sacrifié. Dans d’autres œuvres, elle enduit sa propre silhouette d’un liquide et la fait brûler. Mais elle ne dirait certainement pas que ces œuvres se réfèrent uniquement à des rituels de santería, mais qu’il s’agit plutôt d’un mélange d’intérêts divers et d’influences de livres – à partir desquels elle a développé ses propres rituels.
Quel est le rôle de la nature et du corps dans l’œuvre de Mendieta ?
Pour elle, le lien entre les deux est certainement décisif. L’étude de la nature, du sol et de la terre est liée à l’identité et à la recherche d’identité, à la question “où est-ce que j’appartiens ? Le corps (féminin) est, à l’époque comme aujourd’hui, toujours sous l’observation de la société et soumis à ses représentations des rôles. Cela s’accompagne également de différentes formes de discrimination. Ana Mendieta souhaite exprimer la différence et pour cela, le corps – ce dans quoi nous sommes enfermés, notre enveloppe – est le moyen le plus approprié.
Par son travail, elle franchit de nombreuses frontières, notamment des espaces géographiques et politiques. Pouvez-vous nous en dire plus ?
Au sens métaphorique, elle se relie à son propre pays, Cuba, par le biais de ses œuvres et de la reconnexion avec la nature. Sa déclaration est la suivante : même de loin, avec une distance par rapport à la patrie, on peut se connecter avec elle. Cela implique une déclaration politique claire et la question qui y est liée : “À qui appartient quoi ?”. Elle fait comprendre : Peu importe où tu te trouves, cela t’appartient, comme cela appartient à tous les autres. Ce faisant, elle subvertit également la question de la nationalité et dit à la place : La nature nous appartient à tous. Où que je me trouve, j’occupe la terre. C’est une manière très réduite et calme, et en même temps une déclaration forte.
“L’œuvre disparaît et reste en même temps inscrite à jamais”.
Vos œuvres dans la nature se transforment involontairement au fil du temps …
C’est ainsi. Au milieu des années 70, le propre corps de Mendieta disparaît de ses œuvres, elle n’en fait plus elle-même partie, mais travaille avec sa propre silhouette. Elle recrée des formes structurées qui correspondent à la taille de son propre corps. Elle crée ainsi des formes dans et à partir du sable, qu’elle place par exemple au bord de la mer, de sorte que la silhouette est lavée et emportée par l’eau au cours de la journée. L’œuvre disparaît et reste en même temps inscrite à jamais – par le souvenir et, en fin de compte, par le médium du film.
