Collecter et voir

Nos musées actuels sont souvent le fruit d’activités de mécénat. Pourtant, le mécénat semble être une espèce en voie de disparition. Les musées sont confrontés à des défis, et la société a également des exigences en matière de collections. Comment la collection et l’exposition ont-elles évolué, et à quoi ressembleront-elles à l’avenir ?

Depuis toujours, l’homme collectionne. Pendant longtemps, elle a surtout servi à la survie, mais les fouilles archéologiques révèlent régulièrement des objets totalement inutiles, comme des coquillages, des pierres ou même de petites fossiles. Il semble que l’homme, même à cette époque, collectionnait déjà par pure passion et par plaisir. Et l’on collectionnait également dans les civilisations antiques. Au Moyen-Âge, en revanche, la collection était mal vue, on voulait être le plus libre possible des biens de ce monde face à son Créateur. Cela a changé au début des temps modernes. Les princes et les nobles collectionnaient dans ce que l’on appelait les cabinets d’art et de curiosités dans le but de créer une représentation du monde. L’ancêtre de nos musées actuels était né, avec la restriction qu’il n’était accessible qu’à un petit groupe.
Mais le désir de créer une représentation du monde représentait aussi un grand défi, comme nous l’explique Anne Buschhoff, conservatrice au Wallraf-Richartz-Museum. Ce sont justement les objets provenant de régions lointaines qui suscitaient la convoitise des collectionneurs, des objets qui nous font naturellement penser aujourd’hui au côté obscur de l’exploitation et de l’appropriation européennes. Ce qui peut paraître miraculeux aujourd’hui, c’est que les cabinets d’art et de curiosités combinaient des objets qui, aujourd’hui, ne nous semblent plus aller de pair. On rassemblait des naturalia, des artificialia et des mirabilia pour pouvoir raconter l’histoire du monde. Aujourd’hui, nous savons qu’ils étaient présentés dans un chaos tout à fait réfléchi. La visite d’un cabinet d’art et d’histoire était une entreprise exigeante. Il s’agissait d’établir des liens entre les objets. Mais avec le temps, il est devenu de plus en plus difficile de faire comprendre les multiples relations entre les objets dans un espace de savoir accessible, si bien que les collections se sont de plus en plus différenciées.

Des cabinets d’histoire naturelle, des collections d’antiquités et des galeries de peinture se sont développés. Le Wallraf-Richartz-Museum de Cologne consacre actuellement une exposition à l’exposition, mais décrit en même temps un voyage dans le monde des collections. Le visiteur découvre différents concepts de collection et leur présentation. Il présente ainsi le type d’image de la “galerie”, qui est apparue à Anvers au début du 17e siècle et qui montre souvent des collections princières, parfois aussi des collections de fantaisie. Il montre de manière exemplaire comment l’exposition, mais aussi la collection, a évolué après l’abandon du concept de chambre des arts et des merveilles. En règle générale, ces collections n’étaient toujours accessibles qu’à un cercle exclusif de personnes. Dans l’exposition, les conservateurs présentent un tableau de David Teniers le Jeune, qui illustre la collection de l’archiduc autrichien Léopold Guillaume. L’œuvre, réalisée vers 1660, montre la collection du noble dans ce que l’on appelle l’accrochage baroque. Souvent, Teniers traitait les œuvres avec une liberté artistique, les présentant hors d’échelle ou même à l’envers. Avec le siècle des Lumières, l’exigence envers de telles collections a évolué, l’objectif étant d’ouvrir les collections et de former les visiteurs – également dans le sens d’une mission éducative.

Des citoyens se sont également lancés dans la collection. Dans l’exposition de Cologne, Ferdinand Franz Wallraf, dont la collection est à l’origine du Wallraf-Richartz-Museum, mais aussi d’autres musées de la ville, sert d’exemple. Sa collection comprenait de nombreuses pièces qu’il avait sauvées des églises et des monastères après leur dissolution dans le cadre de la Révolution française. Contrairement à ce qui se faisait au 18e siècle, l’activité de collectionneur de Wallraf ne se limitait pas à certains médias, mais se rattachait plutôt aux traditions des cabinets d’art et de curiosités. Cela lui valut également des critiques, Johann Wolfgang von Goethe exprimant son incompréhension face à la manière dont Wallraf collectionnait. Après sa mort, Wallraf décida que sa collection resterait à Cologne “pour le bénéfice de l’art et de la science”. Deux ans après sa mort, le “Wallrafianum” a vu le jour, présentant dans un premier temps l’ensemble de sa collection. De nombreux musées de Cologne se sont ensuite développés à partir de ce musée, le Wallraf-Richartz-Museum ayant reçu la plus grande partie de la collection.

Les premiers musées ont vu le jour dès le 18e siècle, c’est-à-dire avant la mort de Wallraf en 1824. Les premiers musées furent notamment le British Museum de Londres et le Herzog Anton Ulrich-Museum de Brunswick. Le Fridericianum de Kassel est considéré comme l’un des premiers bâtiments explicitement conçus pour abriter un musée. Les questions sur le comment et le quoi présenter se sont donc posées avec plus d’acuité. L’exposition de Cologne consacre également un chapitre aux différents concepts de présentation muséale. À l’origine, les tableaux étaient présentés côte à côte et les uns sur les autres dans l’accrochage pétersbourgeois. L’évolution de la discipline de l’histoire de l’art a entraîné un changement. L'”accrochage progressif” a été développé au début du 20e siècle, mais n’a pas été très bien compris dans un premier temps. C’est le directeur de l’époque, Alfred Hagelstange, qui l’a introduit au Wallraf-Richartz-Museum. Au lieu de placer les tableaux les uns au-dessus et à côté des autres, Hagelstange présentait les œuvres de la collection sur une seule rangée, les unes à côté des autres. Les murs étaient ainsi décorés de couleurs assorties aux tableaux et un espace plus important séparait les différentes œuvres. L’objectif était de permettre aux visiteurs de s’imprégner de chaque œuvre.

Au 20e siècle, des artistes comme Daniel Spoerri et John Cage ont développé de nouveaux concepts de présentation des collections. Le Wallraf-Richartz-Museum consacre des espaces à ces deux artistes. Daniel Spoerri a développé dans les années 1970 la Mu
sée Sentimental, dans laquelle il n’expose plus seulement des objets d’importance historique, mais aussi des objets du quotidien ou des souvenirs personnels. Les expositions qui en résultent ont toujours un thème général. A l’origine, il avait développé cette idée pour l’ouverture du Centre Pompidou. Il a présenté ce travail au Kölnischer Kunstverein en 1979. Au Wallraf-Richartz-Museum, Marie-Louise von Plessen a fait revivre le concept qu’elle avait développé avec Spoerri. Cette fois-ci en se référant à Ferdinand-Franz Wallraf. A l’aide d’objets du quotidien, les organisateurs de l’exposition retracent l’histoire de la ville de Cologne, de A – comme Alaaf – à Z – comme Zeichnung.
En 1993, John Cage a développé l’œuvre “Museumszirkus”. Son idée était qu’un musée d’une ville demande à ses voisins de lui prêter des œuvres, qui sont ensuite positionnées au hasard dans l’espace. Le Wallraf-Richartz-Museum a pu obtenir des prêts de 17 musées voisins et les présente selon un principe aléatoire imposé par un programme informatique. Après un regard sur le passé, le musée jette également un coup d’œil sur l’avenir et se demande comment “voir” pourrait alors fonctionner.

La commissaire de l’exposition souligne que l’idée du cabinet de curiosités et d’art a toujours été récurrente. Les concepts muséaux du 20e siècle – l’idée du “Musée sentimental” de Daniel Spoerri ou le “Museumszirkus” de John Cage – en sont la preuve dans l’exposition. L’Internet d’aujourd’hui est lui aussi une sorte de cabinet de curiosités, dans lequel les choses peuvent désormais être reliées entre elles dans une mesure que le cabinet de curiosités et d’art historique n’aurait plus été en mesure d’offrir autrefois face à l’explosion de la croissance des connaissances. Outre les défis de la présentation, les musées sont confrontés à de nombreux autres défis. Ainsi, il est désormais très difficile pour les musées de jouer un rôle sur le marché de l’art. Anne Buschhoff espère que certains collectionneurs privés se décideront peut-être à léguer l’une ou l’autre œuvre de leurs collections à des musées. Elle rejette la pratique de la désaffection, telle qu’elle est pratiquée par certains musées, notamment aux Etats-Unis, et fait remarquer que l’art est vu différemment à chaque époque. Ainsi, Caspar David Friedrich n’a été redécouvert qu’en 1906, alors qu’il était tombé dans l’oubli depuis longtemps. Elle poursuit en expliquant que chaque époque et chaque génération a son propre regard et met l’accent différemment, et conseille la modestie et la prudence. Car ce que nous ne trouvons pas important aujourd’hui pourrait être considéré comme important par les générations futures, et inversement. Il faut être conscient de ce danger.

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